Los 12 principios de la animación

Los 12 principios de la animación.

(Isaac Kerlow)

 

 

Los 12 principios de la animacion, fueron creado por los animadores de los estudios Disney, durante los años 30. Siendo estas reglas, la base para la producción de dibujos animados.

Estos principios fueron usados en su comienzo en producciones como Blancanieves (1937), Pinocho y Fantasía (1940) y Bambi (1942).

 

Actualmente tanto Disney como otros estudios, e independientes realizan sus animaciones en base a estas reglas, creando personajes, situaciones y distintas acciones con movimientos, tratando de representar e interpretar la realidad.

 

Ante la llegada de la animacion digital, y la evolución de la tecnologia, estos 12 principios se tuvieron que expandir y añadir algunos principios más, ya que en los años 30 las tecnicas eran muy limitadas, o no completas como tecnicas actuales como lo son los movimientos de camara, o la iluminación.

 

 

Estos 12 principios son :

 

Estirar y Encoger 

Anticipación 

Puesta en escena 

Acción directa y pose a pose 

Acción continuada y acción superpuesta 

Entradas lentas y salidas lentas 

Arcos 

Acción secundaria 

Timing 

Exageración 

Dibujos sólidos 

Personalidad o apariencia 

 

 

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Los 12 principios para la animación fueron creados en los años 30 por animadores en los Estudios de Disney. Se trata de una serie de reglas básicas de animación que se utilizaron como base creativa y de producción de dibujos animados en aquella época. Estos 12 pincipios ayudaron a que el oficio de la animación pasara de ser algo novedoso a ser una forma de arte. Fueron aplicados inicialmente a los clásicos animados de Disney, como Blancanieves, en 1937, Pinocho y Fantasía, en el 40, Dumbo, en el 41 y Bambi, en 1942.

 

Estos principios hoy siguen funcionando, ayudan a crear personajes y situaciones más creíbles, proporcionan sensación de realidad. Para 3D estos principios se han tenido que reinterpretar y expandir, incluso se han tenido que añadir algunos principios adicionales que den soporte a los nuevos estilos y técnicas utilizados en la animación. Esto es poeque en los años 30, el estilo dominante era la animación narrativa cartoon pose a pose. Durante este tiempo, las técnicas y los estilos de la animación han cambiado enormemente.

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Los 12 principios han evolucionado para adaptarse a la animación 3d:

 

-ENCOGER Y ESTIRAR (Squash and Strech)

 

La exageración, la deformación de los cuerpos flexibles. Sirve para lograr un efecto más cómico o bien más drámatico. El estiramiento muchas veces se relaciona con la velocidad y la inercia.

 

-ANTICIPACIÓN (Anticipation)

 

Se anticipan los movimientos, esto guía la mirada del espectador. Anuncia sorpresa. Se verán tres pasos: Anticipación (nos prepara para la acción); la acción en sí misma y la reacción (recuperación, término de la acción).

 

-PUESTA EN ESCENA (Staging)

 

Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes. Poniendo en escena las posiciones claves de los personajes definiremos la naturaleza de la acción. Hay varias técnicas de puesta en escena para contar una historia visualmente, esconder o revelar el punto de interés, o las acciones en cadena, acción - reacción, son dos ejemplos.

 

-ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-to-pose)

 

Éstas son en realidad dos técnicas de animación diferentes. En la acción directa creamos una acción continua, paso a paso, hasta concluír una acción impredecible, y en la acción pose a pose desglosamos los movimientos en series estructuradas de poses clave.

 

La acción directa se distingue por la fluidez del movimiento, proporciona un look fresco, suelto y desenfadado. Influye la creatividad.

 

En la acción pose a pose se desarrolla un planteamiento inicial, es una animación más controlada que viene determinada por el número de poses y las poses intermedias.

 

Se pueden mezclar estas dos técnicas.

 

-ACCIÓN CONTINUADA Y SUPERPUESTA (Follow through and overlapping action)

 

Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En ellas el movimiento continúa hasta finalizar su curso.

 

En la acción continuada, la reacción del personaje después de una acción nos dice cómo se siente el personaje.

 

En la acción superpuesta, movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del personaje.

 

En la animación 3D se utiliza mucho la acción continuada, por ejemplo en las simulaciones dinámicas de la ropa o el pelo.

 

-FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out)

 

Acelerar el centro de la acción mientras que se hacen más lentos el principio y el final de la misma.

 

-ARCOS (Arcs)

 

Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas.

 

-ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action)

 

Pequeños movimientos que complementan a la acción dominante. Son resultantes de la acción principal. La acción secundaria no debe estar más marcada que la acción principal.

 

-SENTIDO DEL TIEMPO (Timing)

 

Da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción. Las interrupciones en los movimientos. Aquí se define también el peso del modelo y la sensaciones de escalas y tamaños.

 

-EXAGERACIÓN (Exageration)

 

Acentuar una acción. La hace más creíble.

 

-MODELADOS Y ESQUELETOS SÓLIDOS

 

Un modelado y un sistema de esqueleto sólido, o un dibujo sólido como se decía en los años 30, ayudarán al personaje a cobrar vida. El peso, la profundidad y el balance simplificarán posibles complicaciones en la producción debidas a personajes pobremente modelados. Además, hay que poner atención a las siluetas al alinear los personajes con la cámara.

 

-PERSONALIDAD (Acting)

 

Esto proporciona conexión emocional con el espectador. Se trata de la personalidad del personaje, que sea coherente con sus movimientos.